ARTES 

Accede  a los libros en texto completo   

VISTA

Artesanía: Vidrio soplado

Los lectores podrán explorar la historia del vidrio soplado, las herramientos y equipo utilizados y cómo se practica hasta nuestros días.

Bronce en plenitud

Este libro es un recuento de la obra de los últimos ocho años del escultor Jorge Marín, en donde el bronce es aquí a la vez contacto con la tierra y vehículo para el aire. En ese espacio liminar —siempre transitorio, siempre en transformación— surgen las obras de Jorge Marín. 

Escultura

El volumen de Mega Square Escultura abarca más de 23.000 años y contiene más de 120 ejemplos de las esculturas más hermosas del mundo, desde el arte prehistórico y las estatuas egipcias hasta las obras de Miguel Ángel, Henry Moore y Niki de Saint-Phalle. Describe la gran variedad de materiales empleados y la evolución de los estilos a lo largo de los siglos, así como las peculiaridades de los principales escultores.

Escultura Griega

La escultura griega es, probablemente, el aspecto más conocido del arte griego. Para un contemporáneo, expresa el ideal de la belleza y de la perfección plástica. Es la primera de las artes clásicas que trató de liberarse de las restricciones imitativas, de la representación precisa de la naturaleza. Solo se conoce una mínima parte de la producción escultórica de la Grecia antigua. Muchas de las obras maestras que se describen en las obras de literatura clásica se han perdido o han sufrido daños considerables, y la mayoría de las piezas que conocemos son copias más o menos hábiles y fidedignas efectuadas durante la época romana. Desde el Renacimiento hasta la actualidad, muchas obras han sido restauradas por escultores occidentales, que, con frecuencia, las han interpretado de una forma muy diferente a su planteamiento original. De este modo, el discóbolo se convierte en un gladiador moribundo, un dios recibe los atributos de otro y las piernas de una estatua se implantan en el torso de otra. «El alma de la escultura griega abarca toda la escultura. Su simplicidad esencial desafía cualquier definición. Podemos sentirla, pero no podemos expresarla. “Abre los ojos, estudia las estatuas; mira, reflexiona y vuelve a mirar” debe ser el precepto continuo de todo aquel que quiera aprender o conocer la escultura griega».

La escultura y la pintura góticas

Acompañando a las catedrales góticas de la Baja Edad Media surgen una escultura y una pintura características que resultan también inconfundibles. Las formas, sobre todo los cuerpos humanos, van cogiendo un aire natural del que carecían en el románico y vuelven a profundizar en la realidad vital sentando las bases de lo que luego va a llamarse Renacimiento.

Escultura gótica

A continuación de la escultura románica, que, plena de simbolismo y alejada de todo cuanto viniera a suponer relación con la realidad, se había extendido hasta las décadas finales del siglo XII, se abre una nueva concepción de las artes plásticas, en la que el carácter fundamental es el realismo naturalista. Lentamente van desapareciendo los tipos estilizados del románico para ser sustituidos por otros directamente inspirados en la naturaleza.

La escultura del siglo XX

Los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX no dejaban adivinar con facilidad cuál iba a ser la evolución inmediata de la escultura española, a causa de la carencia total de un orden estético y de la proliferación de monumentos conmemorativos de un extremado detallismo, pero faltos de inventiva y valía artística. Pero muy pronto, a medida que se iba penetrando en el siglo XX, la escultura volvió a recuperar su antigua consideración.

Maya Sculpture of Copán

Copán: uno de los sitios mayas más importantes del Periodo clásico, es célebre por el arte de sus estelas y altares en alto relieve y por la riqueza de los detalles en sus esculturas de pie y arquitectónicas. En Maya sculpture of Copán: the iconography, el reconocido arqueólogo Claude-Francois Baudez nos presenta el primer análisis exhaustivo de estas elaboradas e intrigantes imágenes talladas.

Texto completo en inglés

Sculpture

La escultura, durante mucho tiempo había sido considerada como un simple complemento de la arquitectura, sin embargo, comenzó a adquirir su propio valor; el hombre, que admiró el universo como un todo, se volvió a la contemplación de su propio cuerpo que percibía como el único capaz de todas las formas de la naturaleza; se trataba de un cuerpo con una belleza superior regido por las leyes de la proporción y simetría, el cuerpo perfecto, reinventado por el trabajo de los escultores; así es como nació una larga tradición y evolución de la escultura. Este libro ofrece al lector 23,000 años de historia del tallado y más de 120 ejemplos de las esculturas más hermosas del mundo.

Texto completo en francés

Sculpture : Materials, Techniques, Styles, and Practice

Apreciar una obra de arte así como escuchar música, se convierte en una experiencia gratificante sólo si los sentidos están atentos a las cualidades del trabajo y al propósito del artista que los creó, es por ello que el lenguaje de la escultura debe ser aprendido. En este estudio, los lectores examinan los materiales, herramientas, métodos, estilos y prácticas que intervienen en la escultura, además de técnicas utilizadas por los artistas consumados que han contribuido a la escultura, desde el mármol de los Dioses de Fidias a los móviles de Alexander Calder.

Texto completo en inglés

Este singular libro que aúna en sus páginas historia, usos y restauración o consolidación de las obras estudiadas de manera magistral hace que cualquier investigador o, simplemente, interesado por la historia de los edificios más representativos de la arquitectura encontrará un enorme caudal de datos documentales y gráficos de muy difícil obtención.Este libro es como una caja de sorpresas que, en cada página, nos sorprende con precisos datos históricos relativos a su génesis, sigue con sus transformaciones y concluye con la recuperación de lo que se tiene como su aspecto original.

Arquitectura latinoamericana contemporánea

Esta obra examina cierta producción arquitectónica erudita a partir de la década de 1980, la cual permite entender el calor de una parte del debate intelectual en el medio profesional y el académico, reconocer algunos personajes, sus ideas y realizaciones, y comprender la complejidad de la cultura arquitectónica latinoamericana en su interior y frente al panorama mundial.

Introducción a la arquitectura contemporánea

El autor de este trabajo recorre con soltura los campos de la Crítica, el del Diseño y el de la Historia, por lo que dirige su discurso a varios destinatarios. Para los estudiantes de arquitectura hay un fértil sendero para seguir transitando y sobre todo para contestar y debatir sus conceptos. Para los neófitos hay una inmensa puerta abierta a un mundo fascinante. Para sus amigos y colegas de cátedra la posibilidad de enriquecimiento mutuo con la discusión de los recortes elegidos en los distintos capítulos.

Arte y vacío : sobre la configuración del vacío en el arte y la arquitectura

El autor aborda la idea del vacío en el arte, desde la escultura, la pintura, la arquitectura, hasta llegar hacia la unidad de la idea.

What Architecture Means : Connecting Ideas and Design

Este libro le introduce a la arquitectura y le permite explorar las conexiones entre las ideas de diseño y los valores en el tiempo, el espacio y la cultura. También le prepara para jugar un papel activo e informado en la arquitectura ya sea como profesional o como consumidor, cliente y ciudadano. También lo ayudará a: evaluar y decidir qué cualidades, ideas y valores son importantes en la arquitectura. Aprenderá: - cómo los edificios expresan y concentran las concepciones de lo sagrado, la familia y la comunidad; - qué prioridades rescatan los arquitectos en el diseño y la construcción; - acerca de los valores como belleza, originalidad, expresión estructural y memoria cultural, así como su propósito en el diseño arquitectónico; -  acerca de los intereses y valores éticos a los que los arquitectos y la arquitectura sirven y promueven. Los tópicos incluyen espacios sagrados, la casa, la ciudad, arquitectos e ingenieros, estética y diseño, originalidad y método, tecnología y forma, memoria e identidad, y poder y política.

Texto completo en inglés

El arquitecto y diseñador español Antoni Gaudí (1852-1926) fue una figura importante e influyente en la historia moderna del arte español; la utilización del color, la gran variedad de materiales, así como la introducción de formas orgánicas en sus construcciones, fueron una innovación en el ámbito de la arquitectura. En su diario,Gaudí expresa libremente sus sentimientos sobre arte: 'Los colores utilizados en arquitectura deben ser intensos, lógicos y fértiles'. Sus obras arquitectónicas, completas o incompletas, así como sus diseños de mobiliario, ilustran la importancia de esta filosofía. La Sagrada Familia (1882-1926) fue un proyecto monumental que se apoderó de su vida, estando incompleto a la hora de su muerte. Mega Square Gaudí se centra en la biografía y trabajos de este famoso artista español, proporcionando una visión inteligente de los principales temas de Gaudí.

Texto completo en portugués

Las actuales enseñanzas de artes plásticas y diseño

Esta publicación tiene como principal objetivo ofrecer una visión general del proceso de transformación que se ha llevado a cabo en el ámbito de las enseñanzas de Artes Plásticas y Diseño y los grandes retos a los que se enfrentan los profesores de estas enseñanzas artísticas. Su finalidad es servir de apoyo para la reflexión sobre la docencia en el ámbito artístico, las conexiones entre arte y educación, las metodologías innovadoras en la didáctica de las artes, los recursos útiles para la docencia y la investigación y la incorporación de las TIC en estas enseñanzas artísticas.

Dibujo: artes plásticas y visuales3 : complementos de formación disciplinar

El presente volumen, contribuye a reflejar una visión articulada y coherente de las materias relacionadas con la Educación artística en la Escuela Secundaria Obligatoria y el bachillerato (Educación plástica y visual, dibujo técnico, o las materias propias de la modalidad del bachillerato de Artes). El autor centra su atención en las cualidades visuales de los objetos y de las situaciones o acontecimientos que suceden en el entorno. Este volumen contribuye a que el lector encuentre los recursos necesarios para desarrollar con mayor facilidad sus competencias docentes.

Didáctica del dibujo : artes plásticas y visuales

Los diferentes capítulos de este volumen tratan de orientar en aspectos propios del proceso de enseñanza y aprendizaje de las materias que se relacionan con las artes plásticas y visuales (Educación plástica y visual, Dibujo técnico o las materias propias de modalidad del bachillerato de Artes). Hemos elegido una doble vía, separando las dos etapas educativas. En la primera, la etapa de educación secundaria, hemos planteado un enfoque gráfico-plástico en los capítulos 3, y 6, con técnicas y materiales, sobre todo, para representaciones planas, y el volumen, para representaciones espaciales. Otro enfoque tiene una visión tecnológica y contempla los lenguajes audiovisuales y multimedia, en el capítulo 4. Toda esta vía se acaba con el enfoque técnico que proporciona el capítulo 5, sobre dibujo técnico. En el bachillerato se da relevancia al peso específico del dibujo artístico, y el diseño en la modalidad de Artes, materias propias de la vía de Artes plásticas, Imagen y Diseño, en los capítulos 7 y 8.

Dibujo: artes plásticas y visuales: investigación, innovación y buenas prácticas

Las competencias que este volumen desarrolla permiten iniciar al futuro profesor en prácticas innovadoras, dándole la posibilidad de conocer los contenidos curriculares y planificar, desarrollar y evaluar los procesos educativos de las materias más cercanas a las enseñanzas propias de las artes plásticas y visuales. De esta manera, el profesorado en formación podrá transferir los conocimientos a otros contextos y enfocar de manera globalizada estas enseñanzas. Así integramos las competencias que deben alcanzar los estudiantes para el desempeño de la docencia en el marco de estas enseñanzas. Las buenas prácticas que presentamos están basadas en las experiencias personales de los autores, en sus conocimientos de los alumnos y de los centros, en sus investigaciones e innovaciones, y son un buen hacer didáctico y pedagógico.

Curso de dibujo y pintura: Óleo

Este libro inicia explicando cómo debe prepararse la paleta, el soporte en donde se pintará, cómo hacer un dibujo previo con carboncillo, el manchado inicial, la importancia de las pinceladas y cómo deben ser las primeras pinceladas, la definición de las formas, el uso de la espátula y pintura allla prima, el volumen, luz y sombras, así como la pintura rápida. Para cada uno de estos temas se va guiando a través de ejercicios prácticos.

Curso de dibujo y pintura. Pastel

Este libro trata sobre la técnica del pastel, con la que el artista tiene una gran libertad de trabajo. Le permite pintar en seco y porque en muchos aspectos se encuentra muy próximo a los procedimientos de dibujo tradicionales. Trata temas cómo el encaje y los trazos, el dibujo inmediato y su manchado, la importancia del trazo, el fundido entre los colores, los empastes y la mezcla directa, así como la relación entre trazo y mancha. Cuenta con un apartado de galería de maestros y otro de ejercicios prácticos.

The Visual Arts : Plastic and Graphic

Este libro trata de las artes plásticas y gráficas en un contexto intercultural, y es parte de un grupo de volúmenes de la World antropology series. Estos abarcan las cosmovisiones y la cosmología, la religión, el chamanismo, el mito y el folclore, las artes escénicas, y las artes visuales.

Texto completo en inglés

The Future of Post-human Visual Arts : Towards a New Theory of Techniques and Spirits

Este libro ofrece una manera alternativa (mejor) de comprender el futuro de las artes visuales en lo que respecta a la relación dialéctica entre las técnicas y la esencia,- al aprender de diferentes enfoques en la literatura pero sin favorecer a ninguno de ellos (ni integrarlos, ya que no son necesariamente compatibles entre sí). Más específicamente, este libro ofrece una nueva teoría (es decir, la teoría efímera de las artes visuales) para ir más allá de los enfoques existentes de una manera novedosa.

Texto completo en inglés 

Line Color Form : The Language of Art and Design

Los estudiantes de diseño de hoy son más alfabetizados visualmente que nunca, y su estilo de aprendizaje, naturalmente, favorece lo visual sobre lo textual. Entonces, ¿por qué deberían aprender arte y teoría del diseño de un libro de texto tradicional? La única guía de este tipo, Line color form ofrece una introducción completa a la teoría y terminología del diseño en un formato visualmente atractivo y accesible; con cientos de ilustraciones y texto mínimo. Este manual fue creado pensando en los estudiantes visuales, por lo que es ideal para estudiantes de arte, así como para aquellos para quienes el inglés es un segundo idioma. Cada capítulo se centra en un único aspecto de la composición visual, como la línea, el color o el material; después de una discusión ilustrada con vocabulario fundamental, los capítulos continúan a las aplicaciones de los conceptos abarcados; estas aplicaciones se demuestran nuevamente a través de imágenes, incluidas fotografías, ruedas de colores, obras de arte significativas y otras ayudas visuales; cada imagen está acompañada de un párrafo descriptivo que ofrece un ejemplo de cómo se puede aplicar el vocabulario en el análisis visual. El libro culmina con una sección sobre análisis formal, dirigida a enseñar a los lectores cómo expresar sus observaciones en la escritura formal y el discurso crítico. Esta guía es una herramienta de aprendizaje altamente efectiva, que permite a los lectores obtener la propiedad y el dominio de los términos que los beneficiarán académica y profesionalmente.

Texto completo en inglés

Pintura románica

Si hubiera que definir con una sola palabra la pintura románica, tendríamos que llamarla «antinaturalista». La pintura románica, igual que la bizantina, resulta poco naturalista comparada con la desarrollada desde el Renacimiento hasta el siglo XIX. Mas no debe achacarse todo a la torpeza técnica de sus autores. No se trata de torpeza técnica. Para comprender el fenómeno de la pintura románica debemos remontarnos un poco más atrás y recordar los rumbos que tomó la civilización europea y el arte cristiano desde el Bajo Imperio Romano.

Pintura en los siglos XIII Y XIV

Se ha dicho muchas veces, y con razón, que hay más diferencia entre el arte románico y el gótico que entre el gótico y el renacentista. El paso del arte románico al gótico supone una crisis radical del pensamiento europeo, mientras que el Renacimiento sólo era una continuación (si se quiere, una exageración) del pensamiento bajomedieval. Por fuerza, hemos de distinguir, pues, entre el arte románico como expresión plástica de unos conceptos teológicos indiscutibles y el arte gótico como expresión de una época de duda y de escarceos racionalistas.

La pintura del siglo XVI

El término Renacimiento es demasiado amplio -y no poco confuso- a la hora de precisar los límites del fenómeno pictórico. Para unos el Renacimiento es una continuación del arte gótico; para otros es, sin embargo, una reacción contra él; unas veces se habla de Renacimiento con un sentido temporal (siglos XIV a XVI), otras prefiere entenderse como norma «espacial» (Italia y Flandes). Estas distintas interpretaciones, que conviven y alientan en el complejo vocablo, nos anuncian la única cualidad clara y distinta del Renacimiento: su falta de claridad.

Pintura figurativa del siglo XX

La gran polémica de nuestro tiempo es la tensión entre figurativismo y no figurativismo pictórico. Está claro que se trata de una polémica profana en la que no entran los entendidos ni los buenos aficionados. Pero la voz de la calle, la famosa “vox populi” es un síntoma muy digno de tomarse en cuenta, no tanto por lo que dice como por la conciencia colectiva que representa.

Pintura española contemporánea 1960-92

En la historia del arte español, como en la de cualquier país, lo más difícil, y para muchos lo más fácil, es recoger una serie de nombres, estilos, figuras, etc. que estudiar. Difícil porque no se sabe quienes son los mejores, ya que hablando de estilos artísticos es muy complicado llegar a determinar cuál es la belleza por excelencia, cuando ésta es algo subjetivo de cada espectador que la contempla y teniendo en cuenta que entran en litigio muchos elementos -y no todos objetivos ni igualmente valorables- que hacen recaer una mayor responsabilidad al efectuar esa valoración.

Watercolor Painting : A Comprehensive Approach to Mastering the Medium

La belleza de una pintura de acuarela radica en sus capas diáfanas, movimientos delicados y lavados luminosos. Sin embargo, las mismas características que definen la belleza del medio pueden hacer que sea difícil de dominar. Esta guía completa para comprender las relaciones entre el color, el valor, la humedad y la composición; revela los misterios de la acuarela para ayudar a la evolución de su práctica. El profesor experimentado y aclamado artista Tom Hoffmann ofrece un enfoque único, basado en la investigación que le muestra cómo traducir cualquier tema en el lenguaje de la acuarela. Con Hoffmann como su guía, aprenderá las preguntas clave que debe hacerse en cada paso y los métodos probados por el tiempo para ayudarlo a alcanzar soluciones. Las explicaciones exhaustivas de Hoffmann y las demostraciones paso a paso delinean el proceso de composición de una pintura en acuarela, mientras que el arte de más de treinta y cinco maestros pasados y presentes, incluidos John Singer Sargent, Ogden Pleissner, George Post, Emil Kosa, Jr., Mary Whyte, Trevor Chamberlain, Lars Lerin, Torgeir Schjølberg, Piet Lap, Leslie Frontz y Alvaro Castagnet sirven para ilustrar e inspirar. Ya sea un principiante serio o un practicante avezado, este libro lo guiará hacia el importante equilibrio entre moderación y toma de riesgos que busca cada acuarelista.

Texto completo en inglés

Classical Painting Atelier : A Contemporary Guide to Traditional Studio Practice

¿Quieres pintar más como Manet y menos como Jackson Pollock? Los estudiantes de arte dieron la bienvenida a Classical drawing atelier, el primer libro de Juliette Aristides, como un regreso dinámico al modelo educativo de taller. En los talleres, populares en el siglo XIX, se enseñó durante años a artistas emergentes mediante la equiparación con un artista maestro; el proceso educativo comienza cuando los estudiantes copian las obras maestras, luego progresan gradualmente a la pintura a medida que mejoran sus habilidades. Los artistas de todos los niveles que aprendieron de Classical drawing atelier han estado clamando por más de este enfoque sofisticado para la enseñanza y el aprendizaje. En Classical painting atelier, Arístides, líder en el movimiento de taller, lleva a los estudiantes paso a paso a través de las mejores obras de viejos maestros y artistas realistas más respetados de la actualidad para revelar los principios de creación de bodegones realistas a todo color, retratos y pinturas de figuras; rico en tradición, pero práctico para los artistas actuales, Classical painting atelier es ideal para estudiantes de arte que buscan una educación visual atemporal.

Texto completo en inglés

Painting Expressive Watercolour

Este libro es más que una guía práctica para la pintura de acuarela; explica la importancia del color, el tono, la forma, la textura y la escala a través de ejercicios y técnicas compartidas, pero también alienta al artista a expresar sensaciones e ideas en acuarela, y a explorar la alegría del medio, a desarrollar habilidades de manejo, confianza y “voz” de pintura única. Incluye: Empezando,  materiales, fundamentos y marcaje; ideas para activar la imaginación para desarrollar un estilo personal; una variedad de imágenes para inspirar y alentar; y ayuda y consejos para practicar nuevas habilidades y ganar confianza con un medio que tiene la potencial magnificencia de una "gran orquesta", pero que puede introducirse en el bolsillo. Lujosamente ilustrado con 259 fotografías en color.

Texto completo en inglés

Artist's Painting Techniques

Artist's painting techniques es una guía práctica para aprender a sacar a su artista interior con una amplia gama de estilos de pintura, ya sea que quiera aprender a usar acrílicos, acuarelas o pinturas al óleo. Con la progresión en mente, esta clase magistral le enseñará los principios básicos de la pintura y luego lo inspirará a avanzar hacia nuevos desafíos y crear obras maestras propias. Explica qué herramientas, materiales y métodos se deben usar en el camino, pero le permite desarrollar sus habilidades artísticas en sus propios términos en lugar de proporcionar una serie de pasos a seguir. Tanto si eres un principiante que quiere aprender un nuevo pasatiempo como si eres un artista experimentado que quiere expandir sus horizontes y aprender nuevos estilos, Artist's painting techniques le pondrá en camino hacia la creatividad.

Texto completo en inglés

What Is an Image?

¿Qué es una imagen? incrementa los desafíos para escribir en la historia del arte, estudios visuales, teoría del arte y crítica de arte. Esta colección innovadora reúne a algunos de los historiadores y teóricos más influyentes que trabajan en imágenes para analizar lo que la visión ha llegado a significar. Los temas incluyen la recepción y el rechazo de la semiótica, la pregunta de:  qué está fuera de la imagen, la cuestión de si las imágenes tienen una naturaleza distinta o son productos del discurso, como el lenguaje; la relación entre imágenes y significados religiosos; y el estudio de imágenes no artísticas en medicina, ciencia y tecnología. Entre los principales escritores representados en este libro se encuentran Gottfried Boehm, Michael Ann Holly, Jacqueline Lichtenstein, WJT Mitchell, Marie-José Mondzain, Keith Moxey, Parul Dave Mukherji, Wolfram Pichler, Alex Potts y Adrian Rifkin.

Texto completo en inglés

Framing Pictures : Film and the Visual Arts

A través de los largometrajes y documentales de directores como Emmer, Erice, Godard, Hitchcock, Pasolini, Resnais, Rossellini y Storck, Jacobs examina las técnicas cinematográficas utilizadas, como  movimientos de cámara y edición, o integrándoles en una narrativa. También explora cómo esta "movilización" de la obra de arte se pone en juego en documentales de arte y “biopics” de artistas, así como en largometrajes que contienen escenas clave situadas en museos. La tensión entre la inmobilidad y el movimiento también se discute en relación con el cine modernista, que a menudo incluye cuadros vivos que combinan elementos pictóricos, escultóricos y teatrales. Esta tensión también marca la estética de la película, que han inspirado a prominentes fotógrafos de arte como Cindy Sherman y Jeff Wall. Ilustrado en su totalidad, el estudio de Jacobs sobre la presencia del arte en el cine, junto con la omnipresencia de la imagen fílmica en los museos de arte actuales, es un trabajo interesante para estudiantes y académicos de cine y arte por igual.

Texto completo en inglés

World Cinema and the Visual Arts

Este libro combina el análisis de dos temas de investigación en curso: el cine y las artes visuales, originalmente presentados en la Conferencia de la Asociación Americana de Literatura de 2010, se han ampliado desde sus puntos de investigación originales, y se analizan películas de diversas tradiciones culturales; los temas de investigación incluyen filmes de China, Irlanda del norte, India, Hong Kong y otros países de Asia oriental. Dentro de las Artes visuales, seguido de un examen del arte abstracto modernista con un enfoque específico; se analizan por ejemplo la importancia de las naturalezas muertas de Gertrude Stein en Botones tiernos, el uso que Manuel Rivas hace de la textualización transcultural en Mujer en el baño se explica utilizando los conceptos de montaje y la “imagen dialéctica” de Walter Benjamin. Por último, el polémico arte de Kara Walker que destaca la pictografía racial y las imágenes violentas del sur de Estados Unidos antes de la guerra, se examina rigurosamente.

Texto completo en inglés